“Es mi orgullo haber nacido en el barrio más humile. Alejado del bullicio, de la falsa sociedad. Yo no tuve la desgracia de no ser hijo del pueblo.  Yo me cuento entre la gente que no tiene falsedad…”

N. de la R.- A 38 años de su muerte, José Alfredo Jiménez es recordado con inmenso cariño por millones de admiradores de su genialidad y talento. El amor de su vida, Alicia Juárez, ofreció a El Silenciero invaluables testimonios sobre la trayectoria uno de los más grandes compositores de música popular mexicana.

Alicia Juárez

En su muro de Facebook, Alicia Juárez brinda un cariñoso saludo a sus admiradores: “Buenos días familia querida, estuve revisando los comentarios de anoche y me conmueve desde el fondo de mi alma ver la pasión, la fidelidad y el amor de tantas personas queridas hacia José Alfredo”.

Alicia Juárez, una de las voces más representativas de la música ranchera de México, vive actualmente en Oxnard, California,  ciudad fundada en 1903, en el condado de Ventura.

La señora Juárez reside en uno de los centros agrícolas más importantes del mundo que se distingue como capital de la fresa y famosa por la producción de habas.

Aceptó amablemente compartir anécdotas y vivencias, con motivo del aniversario número 38 de la muerte del inmenso compositor gunajuatense, José Alfredo Jiménez.

“Voy a escribir un libro sobre mi vida con José Alfredo, no mencionaré a otras personas, sólo voy a escribir lo que yo viví con él, lo que me hizo sentir, cómo nació nuestro amor y anécdotas sobre su vida y su muerte”.

El noviazgo con el gran compositor comenzó con un beso después de ir a un concierto del cantautor yucateco Armando Manzanero.

“Ahí me inicié en el amor, con mucha ternura y fidelidad. José Alfredo siempre me dio su lugar como su mujer, como su esposa y me llenó de rosas y claveles”, aseveró.

Anecdotario

Enamorados

A la espera del libro, que pronto será editado, la señora Júárez hace recuerdos del gran amor de su vida: Rememora que “me impresionó una vez que fuimos a cantar a un palenque y estaban como  diez  niños esperando vernos…tan felices, los chiquitos. Cuando lo vieron hasta gritaron de alegría. Yo le dije:   “Mira José Alfredo:  ¡Cómo te quieren y nacieron hace poquito!  Les firmó autografos y Los consintió un rato. Yo quedé impresionada de ver el alcance de su fama y el cariño que el pueblo le profesaba.

Alicia Juárez confiesa:  “He vivido una vida plena, pero sé que tengo mucho más que aprender. Estoy bendecida de tener un hijo maravilloso y mi preciosa hija y nieta. Sí, estoy bendecida con la mejor madre del mundo, un gran hermano y todos mis amigos tan queridos que son tan importantes para mí, gracias por su presencia en mi vida, la enriquecen a cada momento”. En el Día de Santa Cecilia, la Patrona de los músicos, Alicia Juárez recibió muchas frases de admiración y cariño. Por supuesto, respondió a todos sus amigos y amigas:  “Gracias por todas las felicitaciones y que a sus vidas nunca les falte la música… gracias a Dios por la bendición de poder vivir mi vida rodeada de música y por brindarme la oportunidad de ofrecerles mi canto.”

Testimonio

Alicia Juárez es una mujer de una sencillez admirable. Ella misma nos ofrece un esbozo de su fructífera vida:  “Bueno pues, mi nombre es Alicia López Palazuelos, hija de Francisco Javier López Hurtado (qepd) y Celia Palazuelos Vda. López.  Aunque nací en La Barca, Jalisco, México, me crié en Estados Unidos,  en el Estado de California.  Empecé a cantar a la edad de 16 años y al poco tiempo conocí a José Alfredo Jiménez, quien andaba de gira por California.

“Al escucharme cantar me cambió el nombre: “Alicia Juarez” y se convirtió en mi “Padrino”.  Cada vez que venía a California de gira, nos buscaba porque le gustaba como manejaba mi mami y yo le abría el show.  Poco a poco fuimos ensayando canciones y montamos el dueto y un espectáculo que gustó mucho.  Durante este tiempo yo era estudiante y  mi padre no me dejó seguir la gira ya que los estudios estaban ¡antes que nada!

“Al graduarme de High School, ya tenía contrato con RCA Mexicana y me fui a la Ciudad de México.  Con el tiempo… nos casamos.  Así  es, en breve, la historia sin detalles, pero hay muchas anécdotas preciosas y otras muy fuertes en mi vida al lado de José Alfredo.

“Fue un amor tremendo, el primero para mí. Y para José Alfredo, la experiencia más fuerte y tierna a la vez, ya que por la diferencia de edades nunca esperó el remolino de amor que nos envolvió. Yo estuve junto a él en su último suspiro, ví cuando “ya no estaba” y sólo quedó la aureola de su espíritu”.

Pedro Vargas, Alicia Juárez y José Alfredo Jiménez

Alicia Juárez describe en pocas palabras a José Alfredo Jiménez:  “Un hombre muy difícil, tal vez por su genialidad. Experiencias muy altas de felicidad, y las bajas que  jamás pensé que existían”.

Su andecdotario es vasto, pero nos quiere compartir una vivencia que recuerda con mucho cariño: “Cuando murió mi abuelito en Estados Unidos, -nunca nos habíamos separado, trabajábamos juntos, descansábamos juntos, etc, en fin todo- …pues me fuí a Oxnard. Normalmente  un funeral se lleva tres días. Al dar cristiana sepultura a mi abuelito, regresé a México y José Alfredo me estaba esperando en el  Aereopuerto Benito Juárez.

“ José Alfredo y dos motociclistas (policías) para “escoltarnos” a casa, ¡con sirena y todo! Al llegar a nuestro departamento, me dio las llaves para que yo abriera el garage, cosa rara porque el siempre lo hacía…no dije palabra.

“Cuando subimos al cuarto piso del edificio no nos recibió nuestra muchacha “Licha” y eso se me hizo aún más raro.  Al querer abrir la puerta, se atoraba con algo que no identificaba porque estaba obscuro pero me llegó el aroma de muchas flores.

“Cuando prendí la luz… aquéllo era como si un loco se hubiera metido al departamento a tirar rosas, gladiolas, nardos, claveles…bueno de todas las flores que se puedan imaginar, ¡pero por toneladas! en la alfombra, encima de los muebles, la tele, ¡en la cocina! Hizo un caminito de flores en el trayecto a la recámara.

“Estaba apenas recuperándome de la sorpresa cuando sale de mi recámara “El Mariachi Vargas de Tecalitlán” cantando “Muchacha Bonita”. La escena fue hermosa e inolvidable. Hicieron acto de presencia en ese instante Doña Carmen (mamá de José Alfredo) su querida tía Cuca y su hermana Conchita.

“Fue cuando me escribió “Te estás volviendo mujer”. La había escrito sobre una hojita y la pegó a la pared, rodeado de rosas. Detalles como éste fueron muchos.

El gran José Alfredo

Este día, Alicia Juárez, la víspera del aniversario luctuoso, hace memoria y afirma: “Hace 38 años, José Alfredo estaba muy grave, en la Clínica Londres de la Ciudad de México.  Entró en estado de coma la mañana del 23 de noviembre de 1973.  Aproximadamente a las 9 de la mañana, llegó su médico, el Dr. De Montellano. Advertí una mirada de preocupación ante el estado de salud de mi esposo. Salió de la habitación. Lo seguí. Le pregunté: ¿Qué ocurre?  “Señora: José Alfredo se halla en estado de coma; es probable que no se recupere, debe usted ser fuerte”.

Recuerda que tres horas después del diagnóstico fatal, escuchó un grito amoroso: “¡Escuinclaaa!”

“Todo el día durmió, Los médicos entraban a revisarlo seguido. Apenas unos días antes se había sentido bien y hasta le dio hambre y me pidió “chicharrón en salsa verde y helado de Zapote Negro de Dolores Hidalgo, de la heladería de Don Victorio, famoso vendedor de la plaza principal…”

“La familia de José Alfredo (hermosísima) trató de cumplirle su antojo y llevaron la nieve preferida de mi esposo. Allí estaban  su hermano “Juanene” como le decía su querida esposa Ester, Malena, Fede, su hermana Lola y muchos más que llegaron desde Dolores Hidalgo, Guanajuato…”

La señora Juárez recuerda, emocionada a José Alfredo. Sabe muy bien que hablar de este sensible, inteligente y conmovedor compositor mexicano, y por añadidura, exquisito intérprete de sus propias composiciones y las de otros grandes maestros mexicanos, es muy complejo.

Sabe -es su orgullo- que José Alfredo Jiménez se convirtió en un icono de la canción popular mexicana. Y reconoce que fue un ser humano excepcional: noble, que irradiaba simpatía. Dueño de un talento capaz de crear emblemáticas canciones de una manera cautivadora y asombrosa.

De acuerdo con el Blog del bolero: “Fue uno de los grandes representantes de la “Época de oro del Cine mexicano”, y artistas de la estatura de Pedro Infante, Jorge Negrete, Libertad Lamarque, Javier Solís, Miguel Aceves Mejía, Demetrio González, Lucha Villa, Lola Beltran, Rocío Dúrcal, María Dolores Pradera, Alfredo Sadel, José Luis Rodríguez “El Puma”, Marco Antonio Muñiz, el Dr. Alfonso Ortiz Tirado, Plácido Domingo, Ana Belén, Chavela Vargas, Eugenia León, Tania Libertad, Enrique Bunbury, Joan Manuel Serrat, entre otros grandes e inmortales de la canción mexicana y de otros países hispanos, fueron sus máximos exponentes con las bellas interpretaciones que de sus canciones hicieron, las que convirtieron en verdaderas joyas y clásicos musicales que definitivamente quedaron para la posteridad como auténtico testimonio del genio de su creador”.

Germán Valdez Tin Tan, Amalia Mendoza, Alicia Juárez, José Alfredo Jiménez, Fanny Kaufman (Vitola)

José Alfredo Jiménez Sandoval  nació el 19 de enero de 1926 y falleció el 23 de noviembre de 1973.

Es considerado el mejor compositor mexicano de música ranchera de todos los tiempos. Y uno de los cantautores mexicanos más reconocidos e interpretados del siglo XX y aún en la actualidad.

Compuso más de mil canciones, principalmente rancheras (boleros rancheros), huapangos y corridos, todas ellas reconocidas por su calidad y su sencillez armónica, melódica y lírica,teniendo como musa de inspiración al amor, a la mujer y a las ciudades, parajes, paisajes de su amado México.

Hijo de Agustín Jiménez Aguilar y de Carmen Sandoval, nació en el bello y pintoresco pueblo de Dolores Hidalgo, ubicado en el turístico Estado de Guanajuato, donde pasó los primeros años de su vida, hasta poco después de la muerte de su padre en 1936, quien era dueño de una farmacia con la que sostenía económicamente a José Alfredo y a sus tres hermanos: Concepción, Víctor e Ignacio. La señora Juárez no entra en detalles sobre la fulgurante carrera artística, reconocida a nivel internacional.

Alberto Vázquez, Shilinsky, Alicia Juárez, José Alfredo Jiménez y Fernando Soto (Mantequilla)

A los 8 años llegó a la Ciudad de México donde desde adolescente empezó a componer sus primeras canciones. La madre de José Alfredo, Carmen, abrió una pequeña tienda; sin embargo no tuvo éxito, por lo que José Alfredo tuvo que contribuir a la economía familiar y desempeñó múltiples oficios, entre ellos, el de mesero; fue además jugador de futbol. Participó en los equipos Oviedo y Marte de la Primera División del Futbol mexicano.  Jugó la posición de portero y tuvo como compañero de equipo a Antonio “la Tota” Carbajal.

El restaurante “La Sirena” donde trabajaba, era frecuentado por Andrés Huesca quien en alguna ocasión escuchó hablar de él y eventualmente escuchó algunos de los temas del entonces joven cantautor, entre los cuales estaba “Cuando el Destino” (canción a la que José Alfredo tenía mucha fe) y “Yo”, esta última Huesca decide grabarla inmediatamente y de ahí en 1948 cantó por primera vez en la emisora radial XEX y meses después en la famosa XEW que lo catapultó a la fama.

Las composiciones han sido regrabadas en prácticamente todo el mundo traducidas a varios idiomas y en diferentes géneros musicales.

En 1998, la disquera BMG, presentó un álbum de homenaje en dos volúmenes titulado Y Sigue Siendo El Rey en el cual por vez primera se hacen nuevas versiones de los temas grabados por el intérprete para RCA Víctor con acompañamientos diferentes a los originales y a dúo con diversos artistas reconocidos. En el primero de estos volúmenes, se ensayó por vez primera el recurso de unir su voz a la de dos intérpretes ya fallecidos en ese momento: Jorge Negrete y Pedro Vargas. El segundo volumen, además de algunos duetos incluyó temas acompañados por el Mariachi Vargas de Tecalitlán.

En julio del año 2003, Sony International lanzó un álbum tributo a Jiménez titulado: Tributo a José Alfredo Jiménez XXX, con algunos de los artistas exponentes del género rock: El Tri, Maná, Moenia, Saúl Hernández, Miguel Mateos y Joaquín Sabina entre otros. Además, para este álbum se grabó el tema inédito “Fugitivo”, de la autoría de José Alfredo, cuya música realizó el grupo Elefante participante de este esfuerzo. De igual forma varios intérpretes Iberoamericanos han hecho, a manera de homenaje, versiones de sus canciones. (Fuente: Blog del Bolero y Wikipedia)

La señora Alicia Juárez lleva una vida apacible y llena de recuerdos en Oxnard. California, al lado de sus seres queridos. Su vocación por el canto es un homenaje a su querido José Alfredo, cuya memoria honra con profundo cariño y gratitud.

Este día, México recuerda a uno de sus grandes compositores. Humilde, carismático, dueño de un estilo inimitable.

Sin duda, El Rey, quien escribió un día:  “Yo compongo mis canciones, pa´que el pueblo me las cante. Y el día que el pueblo me falle… ese día voy a llorar”.

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Foto de portada: la tumba de José Alfredo Jiménez en el cementerio municipal de Dolores Hidalgo, Guanajuato.

La película de Win Wenders sobre la dignidad, la ternura y la genialidad musical de todos los integrantes de Buena Vista Social Club, no solamente obtuvo el premio al mejor documental europeo en 1999, y el premio de la Asociación de Críticos de Los Angeles, sino que reflejó de cuerpo entero la nobleza de Ry Cooder.  Humilde, grande, tuvo el acierto de sacar del injusto y terrible anonimato a Elíades Ochoa, Compay  Segundo, Ibrahím Ferrer, Omara Portuondo, Rubén González, Pío Leyva, el Puntillita Licea, olvidados gigantes de la música cubana.

Pero el mérito mayor  de Cooder ha sido su silenciosa y pródiga tarea musical. Es celebrada su producción al lado de Flaco Jiménez con piezas que de pronto nos transladan a las hondas raíces de la música mexicana y texana. Y ¿quién no se sorprende gratamente ante la fina sensibildad de la banda sonora de la memorable cinta Paris, Texas?.

El silenciero celebra el talento de Ry Cooder, admira la generosidad mostrada -sin límites-, hacia sus compañeros en el difícil camino del mundo del espectáculo  y recomienda  ampliamente su producción discográfica. Los críticos, en resumen magistral de Wikipedia, nos regalan  la trayectoria y los logros de este gran guitarrista, arreglista y compositor.

Ry Cooder (Los Ángeles, California, 15 de marzo de 1947) es un guitarrista especialmente conocido por su trabajo con la guitarra slide.

Empezó a llamar la atención en los años 1960 con Captain Beefheart and the Magic Band, después de haber trabajado con Taj Mahal en The Rising Sons y de haber tocado con The Seeds.

Cooder ha trabajado como músico de estudio y también ha realizado la banda sonora de muchas películas, de las que tal vez la más conocida sea Paris, Texas (Wim Wenders, 1984). En los últimos años, Cooder ha tenido un papel importante en la popularidad creciente de la música cubana gracias a su colaboración como productor en el disco Buena Vista Social Club (1997), que fue un éxito mundial. Wim Wenders dirigió en 1999 un documental sobre los músicos involucrados en el proyecto, obteniendo una nominación para los premios Óscar en 2000.

El trabajo en solitario de Cooder ha sido una mezcla ecléctica de folk, tex-mex, soul, gospel, rock y casi cualquier otro estilo. La lista de los músicos importantes con los que ha colaborado incluye a The Rolling Stones, Little Feat, The Chieftains, Flaco Jiménez,  John Lee Hooker, Gabby Pahinui y Ali Farka Touré. También formó el supergrupo Little Village con Nick Lowe, John Hiatt y Jim Keltner.

La inolvidable banda sonora de Ry

Su disco de 1978 Bop Till You Drop fue el primer álbum de música popular grabado digitalmente.

La revista Rolling Stone ha nombrado a Ry Cooder con el puesto número 8 en su Lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos. Inmediatamente tras él aparecían en la lista Jimmy Page (de Led Zeppelin) y Keith Richards (de The Rolling Stones). En los años 1960, Cooder enseñó a Keith Richards cómo tocar en la afinación abierta de sol, afinación que Richards ha usado desde entonces, incluyéndola en muchas de los canciones más grandes de los Stones.

Discografía

Ry Cooder (Enero de 1971)

Jamming with Edward (Enero de 1972)

Into the Purple Valley (Febrero de 1972)

Boomer’s Story (Noviembre de 1972)

Paradise and Lunch (Mayo de 1974)

Showtime (Agosto de 1977)

Jazz (Junio de 1978)

Bop Till You Drop (Agosto de 1979)

The Long Riders (Junio de 1980)

Borderline (Octubre de 1980)

The Slide Area (Abril de 1982)

Paris, Texas (Febrero de 1985)

Music from Alamo Bay (Agosto de 1985)

Blue City (Julio de 1986)

Crossroads (Julio de 1986)

Get Rhythm (Diciembre de 1987)

Johnny Handsome (Octubre de 1989)

Trespass (Enero de 1993)

Chávez Ravine (Mayo de 2005)

My Name Is Buddy (Nonesuch Records, 2007) con Paddy Moloney, Van Dyke Parks, Mike & Pete Seeger, Flaco Jiménez, Bobby King & Terry Evans, Jim Keltner, Jacky Terrasson, Jon Hassell…

I, Flathead (Nonesuch Records, 2008)

Genio admirado en otros países, en el nuestro, olvidado

¿Por qué somos así los mexicanos? Hagamos un poco de historia. El jueves 3 de enero de 2002 murió en Jiutepec, Morelos un genio de la música: Juan García Esquivel. Ni su vida ni su muerte fueron noticia. Los medios de aquellos años pergueñaron seis días después escuetas notas sobre su deceso. Tiempo corto de olvido, si se considera que transcurrieron 35 años para que el mundo reconociera su gran talante y su genialidad. Sus biógrafos recurren al hombre de los lentes negros y son míticas sus apariciones en películas que reflejan los años sesenta y setenta del Tiempo mexicano. El silenciero quiere anticiparse a las manifestaciones de recordación del genial músico nacido en Tampico, Tamaulipas en 1918. Mucha muchacha, Mini skirt, son algunas de sus composiciones, pero sus versiones de Estrellita de Manuel M. Ponce, Jesusita en Chihuahua y La Bikina, sin olvidar nunca esas piezas de oro de la música mexicana de Consuelo Velázquez, Bésame y Cachito mío, forman parte de su excéntrico estilo, de su autenticidad, pero sobre todo de su don virtuoso y genial.

Con mucho cariño, el escritor Bernardo Esquinca escribió para Letras Libres un artículo sobre su vida y su obra (Edición de febrero de 2002).

El joven Esquivel

Escribir sobre Juan García Esquivel es referirnos a una época que marcó rumbos en la historia de la música popular contemporánea. Muchos de nuestros jóvenes recuerdan el programa Odisea Burbujas, cuyos arreglos fueron hechos por él. Y, los críticos musicales reconocen plenamente que García Esquivel es el padre de la llamada Musica Lounge, llamada también Space-Age Pop.

Wikipedia nos informa con mucha precisión datos importantes de su vida: A la edad de diez años se mudó junto a sus padres a la Ciudad de México donde cuatro años más tarde ya era pianista de la estación XEW. Cuatro años después dirigía su propia orquesta de 22 músicos componiendo arreglos para el programa cómico de Panzón Panzeco (Arturo Manrique). Fue en esa misma época cuando muchos de sus jingles llegaron a ser muy populares anunciando productos comerciales. Esquivel se graduó de la Facultad de Ingeniería del Politécnico, hecho que le ayudaría a experimentar en la electrónica. Sus grabaciones coincidieron con el advenimiento de los sistemas estereofónicos que junto a sus originales arreglos lograron captar esa estereofonía a su máxima expresión.

Portada de su disco legendario

Jack Diamond y Brother Cleve aportan un dato sensacional: aunque Esquivel nunca ganó un Grammy, fue nominado varias veces:

1958 Other Worlds Other Sounds nominado por mejor Orquesta.

Other Worlds Other Sounds nominado por Mejor ingeniería en Disco no clásico.

1959 Strings Aflame nominado por mejor Orquesta.

Strings Aflame nominated por mejores Arreglos.

1960 Infinity In Sound nominado por mejor orquesta.

Infinity In Sound nominado por mejor Ingeniería.

Era el hombre de los lentes negros. Bernardo Esquinca lo dice de manera categófica: “Juan García Esquivel fue un visionario adelantado a su época, figura de culto en Estados Unidos y Europa, el músico es todavía un gran desconocido en México. Sin embargo, sus composiciones han estado en el inconsciente de varias generaciones, a través de sus trabajos para famosas series de televisión. De su autoría son los temas de El hombre nuclear, Kojak, Los Picapiedra, Columbo, Dinastía y La familia Monster, por mencionar algunos”

El gusto popular mexicano no entendió sus aportaciones. Sus arreglos eran calificados como excéntricos.

Vivió en una especie de exilio voluntario en Estados Unidos, en Las Vegas, donde presentaba su show en el Stardust. Hay datos sumamente interesante, aportados por Esquinca:

“Rolling Stone lo entrevistó, Microsoft utilizó su música para el programa Windows 95 y personalidades que van de Matt Groening (creador de Los Simpson) a Bono de U2 y Tarantino se vieron influidas por su trabajo”.

Sus excéntricos arreglos (lo mismo incluía percusiones latinas que guitarras surf) para temas clásicos como “Malagueña”, “El cable”, “Night and day” y “Estrellita”, aunados a sus propias y singulares composiciones, entre las que destacan “Mini skirt”, “Mucha muchacha” y “Guanacoa” (aquella que dice: “A Guanacoa me voy, aunque no haya carretera”) se escucharon durante la época de oro de las orquestas, afirma Esquinca.

Hombre genial y humilde en toda la extensión de la palabra, Esquivel, a su regreso a nuestro país afirmó: “no estaba equivocado, aunque tuve que esperar 35 años para ser descubierto”.

Cada época tiene sus gustos. En el los sexenios de Adolfo López Mateos y Gustavo Díaz Ordaz, los mexicanos se cautivaban por los ritmos de las grandes orquestas. Los arreglos de Esquivel, basados en los ritmos caribeños, el swing, el jazz, la música de orquesta, el bossa nova y el mambo, le imprimieron un sello que marcó estilos de vida.

Estilos, como lo afirma el escritor Bernardo Esquinca, que marcaron toda una epóca. Cultura músical que sucumbió con la aparición de otras modas.

No sabemos –si viviera- cuál sería la opinión de Juan García Esquivel sobre el pasito duranguense, las baladas de Valentín Elizalde, los narcocorridos, el rap y la música grupera.

La música en nuestro tiempo está marcada por la mercadotecnia y las productoras de discos hacen lo que quieren con el gusto musical: imponen tendencias, marcan estilos, y su visión consiste en calcular los millones de pesos que puede recaudar una canción de “éxito” en la radio o en Televisa y TV Azteca.

La pregunta es: ¿Podríamos vivir, en la era del gobierno prianista, al ritmo de Juan García Esquivel? El silenciero estima como condición necesaria para rescatar la riqueza musical mexicana, la auténtica revalorización del excepcional músico y compositor tampiqueño.

Ya lo han hecho grupos como Combustible Edison y Frenchy. Y Dj´s de la talla de Dimitri from Paris, le dieron al sonido Esquivel su tono finisecular. Valdría la pena, en estos tiempos tan tristes y tan llenos de noticias de violencia aterradora y anuncios fiscales desoladores, vivir al ritmo de Equivel.

fotografías de Mirabelle Marden y Gabriele Stabile

Rodrigo Pérez Caraveo

Una de las impresiones que Sahra Motalebi causa -sin esfuerzo aparente- en aquél que le vea y escuche, es hacer que todo el asunto parezca cosa fácil. Así, de las artes visuales al ámbito musical, Sahra se desplaza con gracia y facilidad como un cisne en Central Park. Sin embargo, los sonidos, las texturas sónicas en las que su labor audiovisual se apoya se remontan a un punto geográfico que, aunque distante, no resulta nada extraño para una joven neoyorkina con raíces iraníes y en constante renovación creativa.

Es de esta manera que nos encontramos ante una sutil pero compleja amalgama de arreglos de corte africano y de medio oriente, combinados con el drama y la persistencia de artistas visionarios como Kate Bush y Roxy Music. Su influencia clásica se deja asomar sin obstruir; percusiones de viento, patrones de guitarra recortados…elementos que, combinados, proveen el paisaje ideal para que su voz se eleve y dé una voltereta con notable poder y expresividad.

Su actividad visual la mantiene tan ocupada en museos como la música en estudios de grabación. Recientemente ha estado en la exhibición “NEW MUSEUM Show!” en el New Museum of Contemporary Art, en la gran manzana, así como en la Vancouver Art Gallery junto al artista multimedia alemán Kai Althoff. Después de todo, Motalebi también es Arquitecta egresada de Columbia.

Tal conciencia estética no podía estar excluída de su creciente catálogo de vídeos musicales, en los que observamos un aprovechamiento tremendo de los recursos disponibles. Ejemplo sólido de que las cantidades millonarias que se gastan (o se invierten) en las mega-estrellas de pop son producto más que de la necesidad, de una evidente falta de imaginación.

Tenemos pues, a una chica llena de talento y esperanza, con un camino por el desierto que seguramente no la verá pasar penas, sino algo más cercano a la gloria. Los dejamos con un par de videoclips que esperamos sean de su agrado. El primero es del tema “Migrators”, colaboración con Jay Israelson, dirigido por Colin Whitaker. El segundo, extraído del EP ¨Tender Mortal Means¨, dirigido por Brett Milspaw. Puedes acceder al myspace de Sahra en Feeding the ghosts.

Su más reciente material, haz click para obtenerlo de iTunes

Los Tigres del Norte y la censura

La hora del lobo

Por Federico Campbell

El gran escritor tijuanense

Como se han de haber enterado los pocos lectores de periódicos y los millones de inscritos en You Tube, una canción de Los Tigres del Norte, “La granja”, fue censurada el miércoles 28 de octubre por el gobierno mexicano y, por ello mismo, por un sentido elemental del honor, los trovadores cancelaron su presentación en una de las veladas más vulgares de Televisa: Las Lunas del Auditorio 2009. Bien por ellos. Cuando luego les dijeron que no había problema, que podían cantar lo que quisieran, se les salió lo sinaloense y ratificaron que la decisión ya estaba tomada, que no había vuelta atrás.

En ese país imaginario, que en el corrido se reconoce como “la granja”, el compositor de la letra Teodoro Bello Jaimes habla de una perra amarrada que ladra todo el día y de un gavilán que se cayó y que alude de manera muy obvia al avión en el que viajaban el licenciado Mouriño y el también licenciado Vasconcelos, hace un año.

El uso de los animales en la literatura no es marca registrada. Ya lo hizo con enorme repercusión el inglés George Orwell en la memorable sátira política Rebelión en la granja, una denuncia del totalitarismo de la Unión Soviética y de la intolerancia disimulada del Occidente “democrático” en el que a todos nos vigilan y explotan los vivales del comercio y los vividores de la política.

Hay que leer todos los versos para agarrarles la onda:

Si la perra está amarrada

Aunque ladre todo el día

No la deben de soltar.

Por el zorro lo supimos

Que llegó a romper los platos

Y la cuerda de la perra

La mordió por un buen rato

Los puerquitos le ayudaron

Se alimentan de la granja

Diario quiere más maíz

Y se pierden las ganancias.

Y el granjero que trabaja

Ya no les tiene confianza.

Se cayó un gavilán

Los pollitos comentaron

Que si se cayó solito

O los vientos lo tumbaron.

El conejo está muriendo

Dentro y fuera de la jaula

Y a diario hay mucho muerto

A lo largo de la granja

Porque ya no hay sembradíos

Como ayer con tanta alfalfa.

En la orilla de la granja

Un gran cerco les pusieron

Para que siga jalando

Y no se vaya el granjero

Porque la perra lo muerde

Aunque él no está de acuerdo.

En realidad los Tigres no son muy fuertes en sus críticas. Son un poco crípticos. Cuando mucho insinúan y en cada ciudad del país se les interpreta según las aventuras narcotraficosas de la región. Cuando Jorge Hank Rhon mandó matar en 1988 (ya prescribió) al periodista Héctor Félix Miranda, también sinaloense (era de Choix), en Tijuana, a lo más que llegaron los Tigres fue a un corrido alusivo al hipódromo, el único hipódromo del mundo en el que no hay carreras de caballos y que es del hijo de Carlos Hank González.

De una forma traicionera

le llegó al Gato el final

y de una vez y de a de veras

en caballo de carreras

la muerte corrió a ganar.

Más antes, ya con un tigre menos (porque uno desapareció de la banda), los estupendos y muy queridos músicos de Rosa Morada dieron en el clavo de estampar un álbum con el título de “Corridos prohibidos”. Tienen también “El avión de la muerte” en el que cuentan la de un muchacho piloto de Chihuahua, de nombre Atilano, que estrelló su avioneta en un cerro de Badiraguato cuando llevaba de pasajeros a dos de los soldados que lo habían torturado.

………………………………….

Federico Cambpell, (Tomada por Juan Miranda en Proceso)

Federico Campbell : escritor mexicano, nacido en Tijuana, Baja California en 1941. Ha colaborado en los principales diarios y revistas nacionales en México, como La Jornada, Proceso y Milenio. En 1995 ganó la beca J. S. Guggenheim. Su vasta producción literaria y periodístico constituye una de las más valiosas obras del quehacer narrativo mexicano.

OBRA

Infame turba (Lumen, 1971)

Conversaciones con escritores (SepSetentas, 1972)

Pretexta (FCE, 1979)

Todo lo de las focas (UNAM, 1982)

Infame Turba, Lumen (1971 y 1994)

Los Brothers (UAM, 1984)

Tijuanenses (Joaquín Mortiz, 1989)

Post scriptum triste (Ed del Equilibrista y UNAM, 1994)

Máscara negra. Crimen y poder (Joaquín Mortiz, 1995)

La máquina de escribir (entrevista con FC, por Hernán Becerra Pino; Ed. Cecut, 1997)

Traspeninsular (Joaquín Mortíz, 2000, Premio Colima de Novela, 2000)

La clave Morse (Alfaguara, 2001).

Periodismo escrito (2002)

La invención del poder (Aguilar, 1995)

La ficción de la memoria (sobre Juan Rulfo), Era-Unam, 2003

El imperio del adiós (antología de textos narrativos, Aldus, La Centena,

Padre y memoria, Ediciones sin Nombre y Universidad Autónoma Metropolitana, 2009.

Flaco Jiménez, tradición y talento

Toca el acordeón, Flaco. Tu sonido le hace falta a este mundo tan lleno de ruidos. Leonardo Jiménez, mejor conocido como Flaco Jiménez nació en la ciudad texana de San Antonio en 1939, donde actualmente reside. Acordeonista de primera línea, es un artista emblemático y pionero del movimiento musical del sur de Texas, el famoso Tex-Mex, que mezcla estilos musicales del norte de México, la música norteña, con ritmos sonoros de la parte sur de Estados unidos, principalmente de su estado natal. Tocar con The Rolling Stones; acompañar a Santana, Freddy Fender, Los Lobos y Jaguares. Formar parte de las producciones discográficas de Ry Cooder ha sido apenas una parte del rico trabajo artístico de este inmenso señor que, como él mismo afirma, se debe al pueblo y a sus nobles tradiciones musicales.

Los legendarios Texas Tornadoes

Aunque el Flaco Jiménez no se encierra en un solo estilo, su música abarca varios géneros musicales como el rock, pop, blues, jazz, rancheras.

Sean texanos, mexicanos, chicanos, “anglos”, Flaco Jiménez está orgulloso de la mezcla, del mestizaje: “Vivo en las dos culturas, son dos sentires en uno. Nunca me he sentido discriminado, ni en Estados Unidos, ni en lugar alguno”, afirma.

Flaco señala también que existen diferencias entre los mexicanos y los habitantes de origen hispano que viven en Estados Unidos, pero “mi pensamiento no tiene barreras, pues la música no tiene fronteras”.

Con The Rolling Stones

El Flaco Jiménez ha ganado 5 premios grammy a lo largo de su trayectoria musical, la cual incluye la grabación de mas de 100 discos, con músicos que abarcan desde Los Lobos, Freddy Fender, Los Texas Tornadoes, pasando por Linda Ronstadt, Buena Vista Social Club hasta llegar a los Rolling Stones.

Participó en el último disco de Ibrahim Ferrer, Mi sueño. Santana y Jaguares lo han tenido como invitado de lujo en legendarios conciertos.

Sin duda, uno de los grandes acordeonistas y genuino exponente de la música texano-mexicana, el gran Flaco Jiménez es recibido jubilosamente por El silenciero.com

Con toda la razón del mundo, la revista especializada en música MARVIN afirma que “Pocas voces en la historia de la música pueden jactarse de una naturalidad y matices tan delicados y sui géneris como la de Ibrahim Ferrer. Sin ser potente ni absolutamente ‘educada’, más bien fina y en apariencia frágil, el estilo de Ferrer posee sobre todo un factor esencial que aporta un extra a su cualidad interpretativa, y éste es básicamente el sentimiento. Sin importar el cliché podemos decir que el corazón y lo que llaman ‘alma’ se encontraban directamente conectados con la garganta, en el caso de este espigado cantante retratado en nuestra memoria, con boina, ojos pequeños, rostro de expresión adusta y carácter afable”.

El amor a la música y a la vida

Su bastoncito de ébano

Ibrahim Ferrer nació el 20 de febrero de 1927 en San Luis, cerca de Santiago, en la parte oriental de Cuba. Desde niño sintió la fuerza del ritmo del son. “MI madre bailaba cuando yo estaba a punto de nacer”. Como dato curioso de su vida, los biógrafos refieren que el legendario cantante cubano siempre llevaba consigo un bastoncito tallado en ébano, que su madre le heredó cuando contaba apenas 12 años.

La Cuba de los años treinta. Música y santería en todo su apogeo, ritmos africanos en la sangre del pueblo. El niño Ibrahím vendía dulces por las calles de San Luis. Desde entonces, sintió la vocación por la música y el canto popular. Se integra al grupo Los jóvenes del son que se encargaba de ponerle salsa a las fiestas de los barrios de su ciudad.Como los grandes hombres que trascienden, Ibrahím se enfrentó a las dificultades de la vida con humildad: fue carpintero, cargados en el muello, pero nunca lo abandonó su pasión por la música. Formó parte de varios grupos: Conjunto Sorpresa, Conjunto Wilson, el Grupo de Pacho Alonso y la Orquesta Chopín Chóven, las agrupaciones donde sorprendía por su talento y su peculiar estilo.

Lo esperaba La Habana con todos su encantos. Allí desarrolla una impresionante carrera musical que se distinguió por su genial capacidad para improvisar sones.

De visita en su pueblo natal

Formó parte esencial de la gran Orquesta Oriental y fue corista del imponente músico cubano y director de orquesta Benny Moré. Abreva allí experiencia y mucho talento para integrarse a Los Bocucos. Fue la época musical de las guarachas y el perfeccionamiento como intérprete de sones, géneros que se convierten en su especialidad. Nunca apareció como un gran intérprete de boleros, aunque en su alma siempre permaneció el deseo de interpretarlos. Al final de su vida, nos lega un disco de colección que forma parte importante de la historia de los intérpretes del bolero en Hispanoamérica.

Un dato relevante de su vida como cantante es la visita a París, Praga y Moscú, donde Ibrahim conversó con el entonces presidente soviético Nikita Kruschev en el umbral de la Crisis de los Misiles de Cuba . “Me preguntó cuál era mi opinión sobre el conflicto, pero habíamos estado fuera de gira durante dos meses y yo no sabía de qué me estaba hablando, recordaba.

La revista musical MARVIN afirma al respecto: “Y por algo pasan las cosas, es justo el bloqueo estadunidense a la isla, lo que Ibrahim destacó como algo positivo en el aspecto musical. Como no estábamos tocando para turistas, había una mayor identificación entre los músicos y el público. De Los Bocucos terminaría jubilándose en 1991 y para complementar su pensión, uno de los más grandes cantantes cubanos de todos los tiempos ¡habría de vender, en su ancianidad, boletos de lotería y lustrar zapatos!.

Ibraim en la portada de Buena Vista Social Club disco de culto

La era Buena Vista

Wim Wenders

Siempre siguiendo la pista de la revista MARVIN, sabemos que cinco años más tarde, Juan de Marcos González tocó a la puerta de Ibrahim para invitarlo a las sesiones de grabación de Buena Vista Social Club en los estudios Egrem. “Al principio no estaba interesado”, dijo Ferrer. “Había sufrido mucho en la música. Me sentía, no sé cómo decirlo… desilusionado de mi vida en la música”. Sin tiempo para prepararse y sacudida su tristeza, recupera su entusiasmo al encontrarse en el estudio a Rubén González, Compay Segundo, Eliades Ochoa, Barbarito Torres, ‘Guajiro’ Mirabal y Omara Portuondo, “gente a la que yo había admirado toda la vida (…) Todavía no puedo creer que fui allí a grabar una canción y al final canté en casi todas. ¡Y me habían escogido como cantante de boleros!”. Por fin, lo anhelado toca la realidad debido a que su fina voz dejó sorprendidos a Ry Cooder y Nick Gold.

“Y pensar que antes no me habían dejado cantar boleros, decía. “Les parecía que mi voz no servía para el bolero. Que no era varonil. Pero gracias al Buena Vista se me abrió un camino adelante y pude llegar al lugar en el que tenía que estar”. Buenos Hermanos (2003), su segundo álbum, gana dos Grammys, el premio británico MOBO y el que otorga Radio 3 (BBC) de World Music.

Silencio, con Ibrahim y Omara Portuondo

El disco Buena Vista Social Club gana un Grammy y vende más de 8 millones de copias. De ahí vendría la participación de Ibrahim en A toda Cuba le gusta , el disco de Afro Cuban All Stars, una gira por Europa y su primer disco como solista: Buena Vista Social Club presenta a Ibrahim Ferrer , que desplaza 1.7 millones de discos. Los siguientes seis años se convierte en un auténtico trotamundos: Norteamérica, Europa, Asia, Sudamérica y Australia; graba en el primer disco de Gorillaz en 2001 por invitación de Damon Albarn y canta con la senegalesa Orquesta Baobab.

Simultáneo a todo ello, y en palabras del productor Nick Gold, Ibrahim es “el más espiritual de los Buena Vista”, devoto de San Lázaro, el santo que representa a Babalú Ayé en la santería cubana, a quien le hizo un altar en la sala de su casa, como puede apreciarse en el famoso documental del cineasta Wim Wenders

Mi sueño

El título de su tercer y último disco refleja de manera literal lo que representa para Ibrahim cantar boleros. Acompañado por pocos músicos, entre los que destacan Manuel Galbán, Amadito Valdés y Orlando Cachaíto’ López.

Mi sueño inicia sus grabaciones en los estudios Egrem, en La Habana, durante 2004, al tiempo de foguear este repertorio durante una gira europea que terminó en el verano de 2005, cuando Ibrahim es hospitalizado. Finalmente muere el 6 de agosto de ese año y su deseo se ha hecho realidad con la edición del álbum que siempre quiso grabar y como más le gustaba escucharse.

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Mi sueño, su último gran disco

Ibrahim Ferrer

Mi sueño

Discos Corasón

Se trata de una selección de boleros clásicos que el entrañable cantante cubano siempre quiso grabar. Abarca desde los archiconocidos “Quizás, Quizás” (con Omara Portuondo) y “Perfidia” a otros más personales como Uno y Dos Almas. Nick Gold, director de World Circuit, y el joven pianista cubano Roberto Fonseca se encargan de la realización de un disco que guarda un estilo desnudo de producción, cercano al de un cuarteto de jazz, grabado en directo y en unas cuantas tomas, con eventuales apariciones de cuerdas y bronces de manera muy discreta. “Queríamos quedarnos con un grupo muy unido, íntimo, capaz de realizar los matices y detalles que expresaban el mensaje profundamente personal de Ibrahim”, en palabras de Gold es como encontramos el por qué de su sonido. (MARVIN)

En su estudio

Gustavo Adolfo Santaolalla es un compositor, músico y productor  que ha sido honrado por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, por su extraordinaria labor creativa.

Rockero

En la década del 70 lideró la banda Arco Iris, a los 16 años, siendo su grupo uno de los fundadoras del «rock nacional argentino».  Hoy en día es uno de los músicos más populares en la escena latinoamericana.

Un dato crucial es que a partir de los 90, Santaolalla fue uno de los productores musicales decisivos para el boom del rock latino. Su trabajo fue esencial para orientar el estilo de bandas y artistas latinoamericanos, como Molotov, Café Tacvba, Los Prisioneros, Julieta Venegas, Juanes, Jorge Drexler, Bersuit Vergarabat, Fobia, Árbol, Caifanes, entre muchos otros.

Feliz

De acuerdo con datos de Wikipepida, al final de los años 90 se dedicó a la producción de los álbumes de bandas sonoras para películas como Amores Perros, 21 Gramos o Diarios de motocicleta.

Uno de sus trabajos más recientes ha sido la parte instrumental de la banda sonora de la película Brokeback Mountain por la cual ganó el Óscar. De esta banda sonora, “A Love That Will Never Grow Old” ganó el Globo de Oro a la mejor canción. También ha ganado un Premio BAFTA por “Diarios de Motocicleta” y otro por “Babel”, por la cual recibió otro Óscar (segunda vez consecutiva).

Actualmente vive  en el estado de California (Estados Unidos).

El silenciero.com ofrece a sus visitantes dos espléndidos trabajos musicales, al lado de Mercedes Sosa y de Café Tacvba. Disfrútenlos.

Santaolla finura y sensibilidad

Por Rodrigo Pérez Caraveo y Elliot A. Klassen

En su historia abreviada de la literatura portátil (27 extraordinarias entregas) (página en construcción) el gran escritor barcelonés nos introduce al mundo del mejor blues de los años treintas.

Es el blog de la amanuense Dora T. Malú. El escritor barcelonés, sin guardar las proporciones, es el Pessoa catalán. Único, de una sola pieza, genial. Vive para la Literatura y la Literatura es su vida.

Así, gracias a su extraordinaria capacidad de observador, el escritor barcelonés nos lleva al universo musical de Robert Johnson (1911- 1938) cantante, compositor y guitarrista de blues estadounidense, conocido como El Rey del Delta blues.

El joven Robert sonríe a la cámara

Crítico musical, Vila-Matas se atiene a su sensibilidad para decir que sus grabaciones de 1936 a 1937 muestran una notable combinación de canto, habilidades de guitarra, y talento en la composición que influenciaron a generaciones de músicos, a pesar de solo haber dejado un registro de 29 canciones.

Nos habla de la enigmática vida de Johnson, “pobremente documentada”. Y también nos conmueve con el relato de su muerte a la edad de 27 años.

Claro, al escritor le interesan las leyendas sobre su persona. “Es considerado como el abuelo del rock and roll. La originalidad de sus canciones y su estilo de tocar la guitarra han influido en muchos músicos, entre los que se encuentran Bob Dylan, Jimi Hendrix, The Rolling Stones, Neil Young y Eric Clapton (quien lo ha considerado siempre “el más importante músico de blues de toda la historia”).

“Robert Johnson, amigo de Georgia O´Keefe, aparece como suicida en Port Actif. Es un suicida que recuerda a Rigaut, “pero, a diferencia de éste, parecía tener una prisa inmensa en abandonar este mundo”.

“P.D.: Cuenta una leyenda (no shandy) que Robert Johnson vendió su alma al diablo en el cruce de la autopista 61 con la 49 en Clarksdale (Mississippi), a cambio de interpretar el blues mejor que nadie”.

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En efecto, la influencia de Johnson es innegable. Uno de sus más distinguidos discípulos, el británico Eric Clapton, escribió alguna vez que ¨las mejores canciones de Johnson no han sido interpretadas por nadie más, al menos con éxito — por que, cómo vas a hacer algo así?¨.

Pero Clapton lo hizo. En el 2004 grabó el compacto Me and Mr. Johnson, un trabajo con los mejores temas del legendario músico de blues, trabajo que el mismo Clapton considera una labor de amor. Buscando ser fieles a la interpretación de Johson y acercarse lo más próximo posible al sonido original, los temas fueron grabados en el mismo edificio en la ciudad de Dallas, Texas en el que Johnson grabara clásicos como ´Hellhound on My Trail´.

El histórico edificio, conocido como 508 Park Avenue, vio en días mejores pasar por sus estudios de grabación a maestros de la talla de Charlie Parker o Bob Wills. En sus inicios fungió como almacén de celuloide de la Warner Brothers Pictures y después se convirtió en el cuartel general de la disquera Brunswick Records. Johnson grabó en el estudio de 508 Park Avenue en Junio de 1937, muy probablemente en un cuarto sofocante.

Del edificio que viera nacer la leyenda de Johnson se conservan ruinas. Vandalizado por años, hoy es una sombra de lo que en aquéllos años fue. Al Gobierno de la ciudad de Dallas parece no importarle mucho el innegable valor histórico del inmueble, y no sería sorprendente que uno de estos días lo derrumben para construir un gimnasio, o algo peor.

Pero todo eso parece importar poco cuando los temas de Johnson cobran vida a través de Clapton. Genio sobre genio.

El legendario estudio

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¿Qué les parece, lectores y lectoras de El silenciero.com   -Simplemente geniales, ¿verdad?-