Autorretrato Pierre-Auguste Renoir Óleo sobre lienzo, 39.1 x 31.7 cm h. 1875

Una de las figuras del impresionismo regresa a sus orígenes, Europa, gracias al Sterling and Francine Clark Art Institute de Massachussets (Estados Unidos), que ha cedido sus fondos para la exposición “Pasión por Renoir”, que se puede contemplar en el Museo del Prado de Madrid (España).

– El interés que siempre despierta Renoir se ve reforzado por obras de gran prestigio y variedad pues se pueden contemplar una variedad diferente de los géneros que cultivó: el retrato, la figura femenina, el desnudo, el paisaje, la naturaleza muerta y las flores.

– La muestra no ofrece una visión completa del pintor, pero sí del primer Renoir que, desde el punto de vista de los Clark y de otros expertos, es el mejor.

– Las obras exhibidas expresan todo el repertorio de Renoir. Entre ellas se encuentran dos de las pinturas históricamente más importantes, como son: Palco en el teatro; y Muchacha dormida, la obra más grande de la colección, ambas de 1880, dice Michael Conforti, director del Stwerling and Francine Clark Art Institute.

Pasión por la Exhibición de Renoir en el Museno Nacional del Prado

Pierre-Auguste Renoir (Limoges, Francia 1841 – Cagnes 1920), uno de los grandes maestros del impresionismo, de luz fresca, trazo limpio y color intenso regresa a la Europa que le vio nacer a través de sus cuadros, en una exposición que se presenta por primera vez en este continente.

Las 31 obras del pintor que pertenecen a la colección que se conserva el Clark Art Institute (Williamstown, Massachussets), se pueden contemplar en el Museo del Prado de Madrid (España) hasta el 6 de febrero de 2011.

La institución norteamericana atesora uno de los conjuntos más importantes de obras de este artista. Parte de su obra  podrá contemplar, durante algunos meses, al lado de otros grandes de la pintura gracias a la cesión de parte de los lienzos y al patrocinio de BBVA.

El interés que siempre despierta Renoir se ve reforzado por obras de gran prestigio y variedad atendiendo a diferente géneros que cultivó: el retrato, la figura femenina, el desnudo, el paisaje, la naturaleza muerta y las flores.

Según los propietarios de la colección, las obras presentes en el Prado figuran entre las mejores del artista. Robert Sterling Clark (1877-1956), fundador del Sterling & Francine Clark Art Institute (Williamstown) era un apasionado de la pintura del artista francés, de ahí que reuniera tanta variedad y cantidad de sus cuadros.

Para los Clark, Pierre-Auguste Renoir representaba la quintaesencia del impresionismo y de ahí que adquirieran más de 35 de sus pinturas, entre las que se incluyen varias de sus creaciones más importantes y representativas.

El director del museo madrileño, Miguel Zugaza, indicó que la presencia de una colección privada como la Clark en el Prado por su pasión por el arte. “Aquí más que en ningún otro sitio se puede valorar la pasión privada por el coleccionismo.

Michael Conforti, director del Stwerling and Francine Clark Art Institute, alabó la visión de Miguel Zugaza por haber organizado una exposición que sitúa a Renoir en un contexto muy diferente que le ha permitido ver su propia colección con ojos nuevos.

Entre las obras destaca Autorretrato (1875), una pintura cuyo tratamiento difiere de su habitual estilo delicado y revela, en cambio, una honda voluntad expresiva; por contra, el Retrato de Madame Monet (1874) se sitúa en el límite entre el retrato y la pintura de género con una pincelada fragmentada poco convencional.

La barca-lavadero de Bas-Meudon (1874) y El puente de Chatou (1875) centran el género del paisaje y constituyen dos modelos del mejor periodo impresionista de Renoir.

En El Palco en el teatro (1880) se destaca el fuerte contraste tonal entre blancos y negros alejándose de la paleta azul que había caracterizado su obra de los cinco años precedentes. Peonías (1880) es una de las composiciones de flores más esplendidas del artista, donde una vez más se evita el espacio abierto, llenando el lienzo hasta su margen.

Conforti reconoció que la muestra, con obras del Renoir más joven no ofrece una visión completa del artista, pero sí el primer Renoir que, desde el punto de vista de los Clark y de otros expertos, es el mejor.

El conservador jefe de la colección, Richard Rand, recordó que es la primera vez en la historia de la institución en la que se han prestado todos los Renoir.

Las obras exhibidas expresan todo el repertorio de Renoir y entre ellas se encuentran dos de las pinturas históricamente más importantes, como son: Palco en el teatro y Muchacha dormida, la obra más grande de la colección, ambas de 1880, dice Michael Conforti, director del Stwerling and Francine Clark Art Institute.

Richard Rand también destacó, por su parte, el cuadro Cebollas, la obra preferida de Clark, así como el autorretrato del pintor de 1975, y Retrato de Madame Monet; obra magnífica, icono de la colección, según sus propias palabras.

Para Javier Barón, jefe de Pintura del Siglo XIX de la pinacoteca madrileña y comisario de la exposición, Renoir es uno de los artistas más sobresalientes del Impresionismo y destacó en él su contribución  a los diferentes géneros pictóricos.

Elige las tradiciones para reflexionar sobre ellas. Las obras exhibidas muestran el tratamiento de esos géneros, donde se ve la influencia de diferentes tradiciones.

Su interés por la figura humana le lleva a abordar el retrato y el autorretrato, género del que Barón destacó también el autorretrato del joven Renoir, del que dice es una pintura extraordinaria; obra sorprendente e impresionante. Es una de las obras de mayor intensidad de las que pintó y en ella se acerca a una vía expresionista.

El puente de Chatou Pierre-Auguste Renoir Óleo sobre lienzo, 51.1 x 65.4 cm h. 1875

Palco en el teatro (En el concierto) Pierre-Auguste Renoir Óleo sobre lienzo, 99.4 x 80.7 cm 1880

Muchacha con abanico Pierre-Auguste Renoir Óleo sobre lienzo, 65.4 x 54 cm h. 1879

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El laureado y sublime filme

Por Ernesto García Gallardo

La secuencia inicial de este filme es impresionante, quizá con el tiempo llegue a ser memorable. A partir de ahí, Cisne negro, captura, aprieta y no suelta al espectador, quien se deja llevar por la pulcra manufactura de esa y la última escena.

El nuevo filme del neoyorquino Darren Aronofsky es un trepidante viaje de emociones; de la disciplina a la rebeldía, de la ingenuidad a la depravación, del amor a la autodestrucción. Microscópicamente, el Director nos introduce en los estímulos que van transformando a Nina (Natalie Portman), una ballerina cuya carrera llega al punto más alto cuando es elegida para ser la protagonista de una versión contemporánea de “El lago de los cisnes”. Desde ahí, la bella y delicada joven sube a un demencial carrusel del cual parece no poder bajarse.

Si con The Wrestler (2008) Darren Aronofsky logró enternecer palpando lazos tan afectivos como la soledad y la reconciliación, con Cisne negro regresa a sus orígenes, explorando con minuciosidad el comportamiento humano cuando este, mediante el empecinamiento, es llevado a un extremo grado de descomposición.

Mención honorífica merecen sin duda sus protagonistas, en especial Natalie Portman y Mila Kunis, quienes encarnan los dos diferentes contrastes del por qué y el cómo comprometerse por una pasión. Una pasión tan ilusoria como lo es querer a toda costa alcanzar la perfección.

Filmografía de Darren Aronofsky:

Pi, el orden del caos. 1998.
Réquiem por un sueño. 2000.
La fuente. 2006.
El luchador. 2008.

Curiosidades sobre “Cisne negro”

Nominada a 5 premios Óscar 2011.
Meryl Streep fue considerada para el rol de Erica, la madre de Nina.
Alrededor de 10 años tardó en concretarse el proyecto.
Darren Aronofsky “adicionó” a Mila Kunis por SKYPE.
Natalie Portman bajó 20 libras de peso para su papel de Nina.

Ligas de interés:

http://www.imdb.com/title/tt0947798/

La genial fotógrafa Annie Leivobitz

Mostrar la vida y la obra de Annie Leivobitz es una experiencia singual. Datos de sus biógrafos aluden a situaciones de carácter mercantil: es la fotógrafa mejor pagada del orbe y ha trabajado para las más importantes revista de Estados Unidos y Europa (Vanity Fair, Rolling Stone y Vogue).

En el mundo musical es famosa porque fue ganadora de un Grammy en la categoría Mejor portada de un álbum. En no pocas ocasiones ha sido galardonada por la Asociación Estadounidense de Editores de Revistas como Fotógrafa del año.

En 1988 recibió el premio Clio por la campaña publicitaria de American Express y en abril del 2000, la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos la nombró «Leyenda viviente».

Wikipedia dixit: “Aunque es conocida principalmente por sus retratos de celebridades, Leibovitz ha practicado la fotografía documental y de paisajes, contratada por la editorial Condé Nast Publications desde 1993”.

Sus imágenes son representadas, desde 1977, por la agencia de fotoperiodismo Contact Press Images.

LA FAMILIA OBAMA

Posando para Leibovitz

La foto fue tomada el pasado 1 de septiembre y la Casa Blanca la difundió a la prensa el pasado viernes 23 de octubre.Al fondo verde se debe el nombre de la habitación en la que está realizada: la Green room. La familia Obama ya tiene su retrato de Annie Leibovitz.

La corresponsal de EL PAÍS de España capta así la imagen de la familia presidencial: “Sonríe el 44º presidente de la nación -el primero negro-, relajado y sin chaqueta para la ocasión; sonríe su esposa, Michelle -con un discreto vestido negro-, y sonríen sus hijas, Sasha, a la izquierda, y Malia, la mayor, a la derecha.”

Annie con su amada cámara

En los corrillos periodísticos de Washington se filtró la especie de que Annie Leivobitz realiza su trabajo en la Casa Blanca para la glamourosoa revista Vanity Fair.

Los politólogos y analistas consideran que la foto de Obama en campaña, captada por la sensibilidad de Annie Leibovitz inmortalizó a Obama… y claro, fue factor nada despreciable para llevarlo a la Presidencia. Leibovitz consagró en 2007 a Obama para la edición africana de Vogue poco después de anunciar que sería candidato a la presidencia. Y en 2008 le retrató para ser portada de Vogue Men. También se la vio con su cámara captando ante el Capitolio la toma de posesión de Obama.

Yolanda Monge nos ilustra: “No es éste el primer presidente inmortalizado por Leibovitz. Dos meses después de los atentados del 11-S, la artista -hoy en día en medio de una polémica por problemas financieros de gran calado- fotografió a George W. Bush con su gobierno. La fotógrafa captó la tensión en los gestos y los atuendos, siempre negros, de las personas más poderosas del planeta en aquel momento: Bush, Dick Cheney y Donald Rumsfeld, entre otros.

Meryl Streep bajo la magia de Annie

Jude Law captado por Annie

Y nos ofrece un dato fundamental: “De Annie Leibovitz es el retrato de John Lennon, abrazando a Yoko Ono, ambos desnudos; la instantánea de la actriz negra Whoopie Goldberg bañada en leche; o la foto que provocó un escándalo en Reino Unido porque, al parecer, Leibovitz solicitó a la monarca Isabel II que se quitara la corona para posar.”

Es distinguida visitante de El silenciero.com que se honra con su arte fotográfico concebido como la belleza visual del mundo.

Edward Hooper en su estudio

¿Cuáles son los caminos del arte? ¿Por qué razones encuentra fascinante y misterioso el escritor barcelonés Enrique Vila-Matas un cuadro de Edward Hooper en una habitación del Hotel Roger Smith de Nueva York?. Precisamente, en el catálogo neoyorquino de Chronotopes & dioramas, la instalación de Dominique Gonzalez Foerster en The Hispanic Society of America, Broadway between 155th and 156th Streets, New York City. Septiembre 2009 – Mayo 2010, el gran escritor de culto rinde pleitesía al gran pintor norteamericano.

 La obra de Hooper Stairway provoca en Vila-Matas “profunda hipnosis”.

Y es en dicho catálogo donde Enrique Vila-Matas plasma toda su alma de fervoroso admirador del genial artista: “Hay un misterio en este lienzo tan escasamente conocido de Edward Hooper, cuya reproducción el Roger Smith Hotel ha tenido a bien colgar en esta habitación, frente a la cama de los pobres huéspedes.

“Creo que sería capaz de perseguir, hasta donde fuera necesario, la historia de los anteriores inquilinos de este cuarto, la silenciosa historia de cuantos han pasado antes por el mismo lugar obsesivo donde ahora me encuentro y donde permanezco alucinado, casi inmóvil, mirando con extrañeza Stairway…”

Ewdard  Hooper nació en Nyack, una tranquila ciudad del estado de Nueva York, el 22 de julio de 1882 y murió en la ciudad de Nueva York el 15 de mayo de 1967.

Hopper realizó en 1900 en la New York School of Art. En ese instituto coincidirá con otros futuros protagonistas del arte americano de principios de los años 1950: Guy Pène du Bois, Rockwell Kent, Eugene Speicher y George Bellows.

Sus influencias más notables en su desarrollo artístico fueron sus maestros William Merrit Chase; Kenneth H. Miller, y Robert Henri.

Tras conseguir su título, Hopper obtuvo su primer trabajo como ilustrador publicitario en la C. Phillips & Company. A partir de su labor como creador independiente, conforma su notable y genial obra pictórica.

En 1933 el Museo de Arte Moderno de Nueva York le consagró la primera retrospectiva, y el Whitney Museum la segunda, en 1950.

Hopper muere el 15 de mayo de 1967 en su estudio neoyorquino, cerca de Washington Square.

Nigthawk

LOS RITUALES DE HOOPER

Alex Nortub, admirador incansable de la obra de Hooper nos entrega interesantes y curiosas manifestaciones del genio creador del gran artista norteamericano (Para conocer más detalles de tan fascinante obra, El silenciero.com recomienda ampliamente el sitio de Nortub:

http://www.hoteljuntoalavia.blogspot.com/

El pintor norteamericano Edward Hopper realizaba un ritual cada vez que entraba en su estudio. Se quitaba el sombrero y lo colgaba en una de las aspas de la prensa que utilizaba para hacer grabados. Hacía esto cada día. Aunque minutos más tarde se pusiese a realizar algún grabado y tuviese que dejar su sombrero en otra parte, nunca dejó de colgarlo primero sobre una de las aspas del tórculo. Según contó su mujer Josephine poco antes de morir, Hopper creía que posando allí el sombrero todo iría como la seda en el momento de plantarse ante el lienzo en blanco.

Pero su ritual no terminaba ahí. Hopper tenía una estufa en su taller. Una estufa que, además de ser utilizada para caldear la estancia en la que solía trabajar, le servía para calentar el té. Tras dejar el sombrero sobre una de las aspas del tórculo, posaba la tetera sobre la estufa. En pocos minutos el té estaba listo. Entonces, con desmesurada parsimonia, se sentaba junto al calor de la estufa y, mientras observaba el resultado de las pinceladas realizadas el día anterior, daba breves sorbitos de su tacita de porcelana.

A veces, incluso, al comprobar que el té estuviera a la temperatura adecuada para ser ingerido, soltaba alguna maldición si se quemaba la punta de la lengua.

Stairway

Hooper silenciero

Puente en Venecia

La estación de trenes en Bruselas

Bélgica luce aún más esplendorosa con la obra de Santiago Calatrava:  una estación de trenes. La obra emoociona a los belgas y al mundo con sus impactantes resultados estéticos y arquitectónicos.

Genio y figura

El Palau de les Arts en Valencia

La Universidad de Oxford le otorgó este año la distinción Honoris Causa. El rector de la Universidad, Lord Chris Patten, le concedió a Santiago Calatrava el grado honorífico de Doctor de las Letras en reconocimiento a sus méritos en el campo de la arquitectura.El rector de la universidad de habla inglesa más antigua del mundo consideró, durante el acto de investidura del más alto grado académico, entregado con carácter honorífico, que Calatrava tiene “una sensibilidad poética para el ritmo, un sentido musical para la armonía, por lo que no resulta sorprendente que haya dedicado parte de su tiempo libre a la escultura, puesto que hace que sus edificios se retuerzan y curven con la clase de dominio que los escultores tienen sobre su propio medio”.

Patten calificó a Calatrava de “arquitecto superlativo en cuyos trabajos se conjugan funcionalidad y belleza”. El rector valoró que “un arquitecto no sólo necesita proyectos y fondos para desarrollarlos, sino que tiene que luchar con el volumen y la resistencia de masas de pesado material”. “Uno puede sentir que el trabajo de este hombre, sin imitar las formas de criaturas vivas, casi parece capaz de moverse”, añadió. Con el nombramiento de la Universidad de Oxford, Santiago Calatrava ha sido investido Doctor Honoris Causa en 17 ocasiones.Observen, estimados lectores y lectoras de El Silenciero.com algunas de las maravillosas obras de este gran autor que trata (y vaya que lo logra), con sus dones, de apagar los ruidos del horror de nuestro lastimado mundo.

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Francia. (1879-1953)

   Nació en París en el año 1879, pintor, novelista, poeta y hombre de cine, era hijo de Francisco Martínez Picabia, agregado consular de la embajada cubana, y de una muchacha francesa que murió cuando Francis tenía cinco años. Fue educado por su abuelo Alphonse Davanne, químico y fotógrafo, y por uno de sus tíos, Maurice Davanne, conservador de la biblioteca de Sainte-Geneviévre de París. Picabia prefería el dibujo y la pintura a los libros de texto: fue un pésimo estudiante. En el año 1895 se matriculó en la Escuela de Artes Decorativas de la capital francesa, después de vencer una frágil oposición familiar. Abundando en recursos económicos, su particular talante aventurero le introdujo muy pronto en el alegre París bohemio y vividor en el que alternaba la emoción amorosa con la velocidad de los atomóviles y el bullicio de las salas de fiesta. La contemplación de las obras de Sisley condujeron su paleta hacia el impresionismo. Su buena estrella le condujo hacia un marchante hábil que hizo buenos negocios con la venta de sus pinturas.

En 1909 se casó con Gabrielle Buffet, una inteligente muchacha abundante en ideas que liberó en Picabia una estética de espontaneidad, orientada hacia la figuración abstracta.

En 1910 se realaciona con Marcel Duchamp y comienza su lucha con el cubismo de Picasso y Braque. En 1913 expone en Nueva York como representante del “arte moderno”. Conoce a Apollinaire y en 1918, coincidiendo con la muerte del poeta, publica L’athlète des pompes funèbres, un poema en cinco cantos. en esos años, Picabia se ha revelado como autor de polémicos artículos y ensayos, y como poeta precursor del dadaismo.

La I Guerra Mundial le obligó a refugiarse en Nueva York, donde se entregó a actividades presurrealistas y predadaístas con amigos como Man Ray, los Arensberg y Stieglitz. Una depresión nerviosa, en 1918, que marca el fin de su relación con Gabrielle y el inicio de un nuevo amor con Germaine Everling, le conduce a Suiza para restablecerse. Allí conoce a grandes representantes del surrealismo, entre ellos a André Breton.

Al disolverse el grupo dadaísta, desde sus inicios animado por la chispa, la gracia y el talento de Picabia, éste se orienta hacia la creación literaria y hacia el espectáculo.

La brillante Costa Azul fue el nuevo escenario de sus orgías, de sus veloces carreras automovilísticas y de sus navegaciones en yate. También de su nuevo estilo pictórico, esta vez rabiosamente figurativo. Intenta solventar el problema de la pintura en relieve mediante transparencias superpuestas y, como anticipo del “pop-art”, plasma en el lienzo escenas recogidas de reportages fotográficos o de secuencias de películas.

Por aquel tiempo acompaña al artista una nueva amante, Olaga Mohler, que comparte con él el camarote de su único yate.

Precursor de tantas cosas, artista inclasificable, al fin de la II Guerra Mundial se instala en París. Quizás presiente el aún no cercano final y pretende cerrar el anillo abierto con su infancia y juventud. Su arte se vuelve abstracto.